Pour devenir une formation de premier plan, il manque encore au groupe Earth, Wind & Fire un hit incontournable susceptible de transcender les frontières de la soul pour toucher tous les publics. L’occasion lui en est donnée par le biais d’un projet cinéma lorsque Maurice White est sollicité en 1975 par Hollywood pour écrire la B.O. du film That’s The way Of The World, l’histoire d’un producteur de disques (interprété par Harvey Keitel) qui cherche à pousser la carrière d’un jeune groupe inconnu contre l’avis bassement commercial de ses patrons.
Pump Up The Volume, bande originale culte de rock indé débraillé 90s
Pump Up The Volume a été très bien accueilli par la critique et a permis d’imposer Christian Slater comme l’un des acteurs les plus prometteurs de sa génération. Mais surtout, la B.O. du film a permis à des tas d’adolescents à travers le monde de découvrir des artistes qui allaient devenir des références majeures dans les années à venir.
Attica Blues (Archie Shepp), vibrantes émotions black, brown and beige
Mai 1971 : dans les studios de Rudy Van Gelder, Archie Shepp enregistre son prochain album pour la firme impulse! au titre pas moins évocateur que les précédents, « Things Have Got To Change ». Septembre 1971 : une émeute éclate dans la prison d’Attica (New York), suite au décès brutal, le 21 août, de l’activiste du Black Panther Party George Jackson dans la prison de Saint Quentin.
Sex Machine (James Brown), clef de voûte de la discographie brownienne
On ta dit : ce double album est deux choses à la fois. Pierre angulaire de l’histoire de la musique noire, clef de voûte de la discographie brownienne. Il propose un souvenir du formidable modèle dit du mâle noir urbain 70 jetant ses ordres à la cantonade :“Ne me donnez rien/ Ouvrez-moi juste la porte/ Je me servirai tout seul ”. Bien des années après, musardant sur l’infernal impact de son titre chaudière, James affirmerait : “Cette chanson, ‘…Sex Machine’, ah… J’ai mis bien des choses dedans.
Nilsson Schmilsson (Harry Nilsson), un certain penchant pour la pop de chambre
Une vie personnelle et une carrière chaotiques toutes deux bisées par ses excès, son insouciance et son inconstance. Une destinée aussi simple que tragique pour ce génial troubadour refusant de monter sur scène et capable du meilleur « Nilsson Schmilsson » en 1971 comme du pire « Son of Schmilsson » en 1972.
Expensive Shit (Fela Kuti), ryhthmes obsédants et cuivres rutilants
Au cours d’une grande tournée en Californie (1968-1969), Fela Kuti fait son entrée en politique après la lecture de The Autobiography of Malcolm X que lui a donnée Sandra Taylor, membre des Blacks Panthers. De retour à Lagos en 1971, il change le nom de son groupe en Africa 70, et transforme sa concession, une grande demeure, en une république où il ouvre un night-club, The Shrine (le Sanctuaire).
Blue (Joni Mitchell), harmonies virginales et poésie désabusée
Après ses trois premiers albums, Joni Mitchell éprouve le besoin de prendre de la distance vis-à-vis d’un succès aussi croissant qu’angoissant. Elle témoignera quelques années plus tard au sujet de ce sentiment d’insécurité : « A l’époque, je me sentais sans défenses, comme l’emballage de cellophane d’un paquet de cigarettes, comme si je n’avais plus aucun secret pour le monde. Je n’étais ni forte ni heureuse. »
Smackwater Jack (Quincy Jones), une dream team de musiciens jazz triés sur le volet
Plus encore que « Gula Matari » (1970, A&M), « Smackwater Jack » marque un tournant dans la discographie de Quincy Jones : c’est la première fois qu’il s’essaye à autant de styles en à peine 42 minutes. Jazz, blues, pop, gospel, musique de film.Quincy Jones combine tous ses savoir-faire avec une confondante facilité, au risque de tomber dans le piège du disque-catalogue, qu’il évite cependant grâce aux efforts combinés de trois producteurs : Phi Ramone, Ray Brown et Jones lui-même.
My Favorite Things (John Coltrane), l’art de l’étirement en jazz modal
Premier volet de cette trilogie, My Favorite Things témoigne d’une nouvelle étape fondamentale dans la discographie de John Coltrane. Après avoir atteint le paroxysme de son travail harmonique avec Giant Steps et, du même coup, une sorte d’impasse, les préoccupations de Coltrane sont en cette fin 1960 d’un autre ordre.
Xango Ogum (Gilberto Gil, Jorge Ben Jor), une leçon de lâché prise musical
Imaginez Gilberto Gil associé à Jorge Ben pour une session studio réunissant leurs compositions et leurs talents, improvisant et célébrant en musique. C’est ça l’histoire de Gil et Jorge, une jam session entre deux maitres qui lâchent prise, s’écoutent, s’abandonnent.
Kind Of Blue (Miles Davis), ou la quintessence du jazz modal
Miles vient alors de rencontrer un grand succès commercial avec Miles Ahead (1957) et Porgy & Bess (1958), deux disques enregistrés en grand ensemble sous la direction de l’arrangeur Gil Evans. Mais, en ce début d’année 1959, Miles Davis aspire à réintégrer le studio de la 30th Street avec une formation réduite. Il sait que son sextet est prêt maintenant à donner corps à son projet d’album entièrement basé sur la libre interprétation et les principes de la modalité.
Força bruta (Jorge Ben), ni politisé ni conformiste
En 1964, un coup d’Etat instaure une dictature militaire au Brésil. Face à la censure, à l’exil forcé, aux emprisonnements, la musique brésilienne se polarise : d’un côté les musiciens engagés tels que Caetano Veloso, Chico Buarque ou Gilberto Gil ; et de l’autre la musique commerciale et naïve de la » Jovem Guarda « , du ié-ié-ié, représentée par Roberto Carlos, Erasmo Carlos et Wanderléa.
Rage Against The Machine, Killing In The Name $%F#& !!!
L’origine des deux têtes pensantes de Rage Against The Machine représente l’essence même de la formation. Zack De La Rocha est un chicano pur-jus baigné durant son adolescence par le punk et les balbutiements du hip-hop. Tom Morello, d’origine kenyane par son père, a été bercé par les Clash et est titulaire d’une thèse obtenue dans la prestigieuse université d’Harvard, sur l’apartheid en Afrique du Sud.
Roy Ayers Everybody Loves the Sunshine, tout le monde aime le soleil sauf Dracula
En 1970, Roy Ayers se tourne résolument vers le jazz rock et le jazz funk en formant le Roy Ayers Ubiquity qui enregistre une quinzaine d’albums pour la firme Polydor, dont le premier Ubiquity (1971) et la référence Everybody Loves the Sunshine (1976) qui lui fournit un hit international du même nom.
Uprising (Bob Marley), second volet d’un triptyque inachevé
Second volet d’un triptyque qu’il ne pourra jamais achever, Uprising est encore plus sombre et plus sobre que Survival. Marley décide de délaisser définitivement les cuivres pour décupler l’impact du socle basse-batterie. Il poursuit ses fusions funk (« Pimper’s Paradise ») et disco (« Could You Be Loved ») en sublimant le jeu de guitare de l’Américain Al Anderson (sur « Zion Train » par exemple).
Nevermind (Nirvana), impose le son et l’esprit du grunge à la planète rock
En 1991 « Nevermind » inondait la planète de ses riffs inoubliables, propulsant nirvana au firmament. Une trajectoire incroyable, défiant les basiques du business : un groupe indé du fin fond de l’état de washington, totalement inconnu du grand public quelques mois auparavant, imposait le son et l’esprit du grunge à la planète rock.
Wish You Were Here, Pink Floyd convoque les fantômes de son passé
En juin 1973, une dernière tournée américaine achève de fatiguer le groupe puis chacun part en vacances, les premières depuis des années ; Mason et sa femme en profitent pour s’installer près de Vence, sur la Côte d’Azur, à deux pas de la maison où réside un certain Bill Wyman !
Two Sevens Clash (Culture), pilier du reggae roots
Une pièce maîtresse du reggae roots, un album qui a su capturer l’essence même d’un peuple et d’une spiritualité, voici ce qu’est Two Sevens Clash. Profondément rasta et jamaïcain, Joseph Hill, le leader charismatique du trio vocal, offre une synthèse parfaite de ce que le reggae roots a pu être à son âge d’or : des textes gorgés de foi rasta et de militantisme panafricain mêlés à des compositions reggae riches de sonorités en provenance directe d’Afrique et du folklore des Caraïbes.
B.O. de Ghost Dog (RZA), score décalé et philosophie orientale
Sur le toit d’un immeuble du New jersey, Ghost Dog vit solitaire au milieu de ses chers pigeons voyageurs. Il perfectionne sa culture de samouraï et sort seulement pour exercer son métier, tueur… Jarmusch se lance cette fois dans le film noir avec plusieurs références claires à Melville et à son Samouraï. Pour le producteur de hip hop RZA, leader du groupe Wu-Tang Clan, c’est l’occasion de signer un score décalé et de mettre en pratique ses obsessions pour les arts martiaux et la philosophie orientale.
Clube da Esquina (Milton Nascimento & Lô Borges), un songwriting coloriste et mystique
Le nom « Clube da Esquina» (littéralement «club du coin») désigne Milton et ses acolytes, un groupe de jeunes musiciens du Minas Gerais. Le collectif sortira deux albums : Clube da Esquina en 1972 crédité Milton Nascimento et Lo Borges et sa suite Clube da Esquina 2 en 1978 créditée Milton Nascimento. Si les deux sont de grandes réussites, le premier volet reste une référence absolue.
Eli And The Thirteenth Confession (Laura Nyro), mélodies vagabondes et ensoleillées
En 1968, alors qu’elle est invitée au festival de Monterey pour son deuxième concert, elle se fait huer et jeter de scène. On imagine bien le public hippie s’insurger contre la poésie de ses textes qui introduisent parfois des figures de l’Ancien Testament, comme dans Eli’s Comin, où l’amant apparaît sous la forme d’un ange.La même année, Laura Nyro enregistre son deuxième album intitulé « Eli And The Thirteenth Confession ».
Killing Me Softly (Roberta Flack), l’aboutissement d’une longue histoire mêlée de légende urbaine
Succès retentissant de l’année 1973, Roberta Flack Killing me Softly With His Song est l’aboutissement d’une longue histoire se mêlant à une légende urbaine. La première interprète de cette chanson, la chanteuse Lori Lieberman, a toujours prétendu s’être inspirée du titre Empty Chairs de Don McLean, entendu lors d’un concert au club Troubadour de Los Angeles.
Hot Rats (Frank Zappa), assaut instrumental débarrassé de toute scorie potache
Si Miles Davis est l’instigateur du jazz fusion, Frank Zappa est son pendant rock. Le guitariste n’a jamais caché son ambition de créer une musique originale, mêlant les genres.Une étape dans ce sens est atteinte par l’artiste avec la parution du double album de The Mothers Of Invention, Uncle Meat, plongée profonde dans ses influences jazz et classiques.
Getz/Gilberto (Stan Getz & João Gilberto), mètre étalon mondial de la bossa nova
Succès et qualité sont comme le Soleil et la Lune : ils se courent après sans jamais se rencontrer, sauf, lors de rares éclipses.Tel est le cas de Getz Gilberto, un beau disque dont le succès commercial doit beaucoup à un concours de circonstances et à quelques malentendus.Au printemps 1961, le gouvernement américain donna un coup de pouce au destin du label Verve et contribua même à changer la face du jazz moderne, en envoyant le guitariste Charlie Byrd en Amérique du Sud dans le cadre d’une tournée diplomatique.
Prose Combat (MC Solaar), oscillation élégante entre commentaire social et tranches de vie
Signé chez Polydor sur la foi de trois démos enregistrées avec le DJ Jimmy Jay dans le sous-sol d’un labo de chimie à Noisy-le-Sec, Solaar est le pur produit de la culture rap telle qu’elle s’exprime au début des années 90 : le leader d’une bande de potes, le Posse 501, qui bricole ses musiques et ses lyrics sans se soucier d’argent, de gloire ou de disques d’or.
What Color Is Love (Terry Callier), un chant capiteux charriant des trésors d’humanité
Sorti en mars 1973, What Color Is Love, troisième LP de Terry Callier représente un des sommets de sa carrière. Produit par Charles Stepney, dont le travail avec Cadet/Chess records, Rotary Connection et Earth, Wind & Fire lui ont valu une certaine reconnaissance, What Color Is Love regorge d’influences Funk, Rock, Folk, Jazz et même Classique.
Gris-gris (Dr John), créature primitive du bayou et apparition de mardi gras
On peut remercier Sonny & Cher pour ce personnage historique du funk de La Nouvelle-Orléans. Alors qu’ils filment une émission de télévision à l’automne 1967, le duo fait don à l’un de ses musiciens de studio d’une partie du temps d’enregistrement qu’il a réservé : c’était Malcolm Robert Rebennack, pianiste et guitariste itinérant de la Nouvelle-Orléans.
Prelude (Eumir Deodato), LP référence du brésilien chez CTI records
Figure emblématique du pop-funk des 70’s, le nom d’Eumir Deodato reste indéfectiblement associé à sa reprise d’Also Spracht Zarathoustra, de Richard Strauss, premier hit mondial du genre, qui s’écoula à plus de 5 millions d’exemplaires.
The Koln concert (Keith Jarrett), un jazz aux sonorités pop/classiques
A l’occasion d’une étape de sa tournée européenne commencée en 1973, Keith Jarrett doit se produire à l’Oper Köln, la salle de l’Opéra de Cologne. Seulement voilà, l’artiste est extrêmement fatigué et souffre d’un mal de dos. A cela s’ajoutent quelques soucis techniques. À la place du Bösendorfer model Imperial 290, le plus grand piano de concert qui existait alors, on lui a mis à disposition un piano d’étude en piteux état.
Scott 4 (Scott Walker), la pièce maitresse du crooner pop
Si l’album de Scott Walker Scott 4 a provoqué des réactions diverses à sa sortie et a été retiré des bacs quelques semaines après, il a depuis été réévalué par la critique grâce à son influence sur David Bowie, Nick Cave, Mark Almond et Neil Hannon de Devine Comedy. Il est aujourd’hui légitimement réédité. Sa richesse sonore et son envergure extraordinaire ont de quoi ébahir les générations à venir.