Lee Hazlewood est un de ces hors-la-loi de la norme et du classement. Si pour le quidam, le nom du moustachu évoque vaguement quelque chose c’est souvent exclusivement le tandem qu’il forma avec Nancy Sinatra. Hazlewwod est pourtant bien plus que ça. Un compositeur, chanteur, musicien, arrangeur, patron de label (LHI) et producteur brassant des influences multiples.
Have You Heard Jim Croce Live, recueil de classiques de l’auteur-compositeur-interprète américain
Have You Heard Jim Croce Live est un recueil de classiques de l’auteur-compositeur-interprète américain Jim Croce, sorti en 2006, plus de trente ans après sa mort. Complément du DVD du même nom sortie en 2003, ces 13 représentations télévisées, tirées d’émissions comme The Old Grey Whistle Test et Underground, sont d’une rares qualités et figurent parmi ses meilleurs performances scéniques.
Barry White Sings for Someone you Love, soul symphonique outrancièrement romantique
En 1977, Barry White Sings for Someone you Love, avec son inénarrable pochette poilue, arrive après une légère période d’essoufflement et s’efforce de renouveler la formule. Une ambiance et des arrangements plus feutrés, des chansons qui ne sont pas des machines à danser serrés mais des ballades engourdies, ralenties, taillées sur mesure pour les moments de baratin érotique et des harmonies plus classiques. C’est déjà presque le chant du cygne et un bel hommage aux grandes heures romantiques de la soul des années 60 et 70. »
Mo Better blues, bande son jazz pré-coltranien du Spike Lee joint
La musique du film est entièrement écrite et interprétée par ces bons garçons (ni buveurs ni bretteurs, excellents musiciens) que sont Branford Marsalis et Terence Blanchard. Leur style dans Mo Better Blues ? Néo-classique, solide, pré-coltranien, dans le genre des Jazz Messengers de la fin des années cinquante. Retour à leurs sources, sous la houlette de Bill Lee, le père de Spike, qui est crédité comme auteur d’une partie de la musique originale.
Isaac Hayes Black Moses, double LP de rhapsodies soul orchestrale
A ce stade de son règne, Stax, son label, n’est plus en mesure de refuser ses caprices. Pas même un projet pharaonique tel que Isaac Hayes Black Moses, double album imposant par les moyens techniques (six ingénieurs du son !) et le caractère épique de son contenu, la plupart des morceaux, véritables rhapsodies soul orchestrale, oscillant entre sept et dix minutes. Jusqu’à l’emballage cruciforme qui explose conventions et budgets.
American Recordings (Johnny Cash), le retour en grâce du Man in Black
Dans les années 90, Johnny Cash est devenu un symbole, une légende, une icône, quelque chose comme la conscience de la chanson populaire américaine. Il a, au fil des années, incarné l’individualisme des pionniers, le romantisme du rebelle, et la rédemption après l’épreuve (en l’occurrence, sa dépendance aux drogues). Le problème reste que plus personne ne s’intéresse alors à ses nouveaux enregistrements.
A new perspective (Donald Byrd), pièce atypique entre jazz et gospel
A ses débuts, Donald fait son entrée dans le groupe du batteur Art Blakey et ses Jazz Messengers. Dans les années 50, il remplace Clifford Brown au sein de ce tremplin extraordinaire avec, à ses côtés, Horace Silver au piano et Lou Donaldson au saxophone.
Isaac Hayes, Black Moses Tennessee
Instrumentiste, compositeur, arrangeur, producteur et acteur, Isaac Hayes a su imposer ses innovations musicales en dehors de la sphère du grand public, qui n’a parfois retenu de lui que l’image restrictive d’un crooner romantique. Son influence est manifeste sur certains de ses prestigieux contemporains, comme Marvin Gaye, Curtis Mayfield ou les Ohio Players.
Harvest (Neil Young), la trilogie de la boue part 1
Alors en pleine tournée de promotion de l’album Déjà vu, l’énorme succès de Crosby, Stills, Nash & Young tourne la tête de ses membres. Leur dernier concert en juillet 1970 marque la fin du groupe. Chacun commence alors une carrière solo qui s’avèrera de courte durée… à l’exception de notre serviteur.
Afro Cuban Jazz Moods (Dizzy Gillespie), collaboration atypique avec l’orchestre Machito
David Sánchez Machito’s Afro Cubans (groupe formé en 1940), les créateurs de Cu-Bop, ont eu une influence majeure sur des musiciens tels que Dizzy Gillespie. Gillespie les apprécie tellement qu’en 1975 il les invite à rejoindre son groupe pour enregistrer l’album Afro Cuban Jazz Moods.
Maggot Brain (Funkadelic), magnifique bâtardise stylistique et partouze funkadélique
Avec leurs deux premiers albums – Funkedelic, en 1970, un acid rock imprégné de blues, et Free your mind… plus psychédélique -, les Funk, comme on les surnommait, sont devenus l’incarnation d’un mode de vie, une religion. Avec son troisième disque, le groupe est à l’apogée de son pouvoir créatif. Tout d’abord, la pochette montre une femme en train d’hurler et qui surgit d’un amas de terre, tandis que le texte cite la Process Church of the Final Judgement. La musique mêle des paroles qui donnent froid dans le dos à une partition quasi surnaturelle.
La Salsa, continuation sophistiqué et en exil de la musique Cubaine
L’écrivain colombien Gabriel Garcia Marquez, voyageur impénitent, sait mieux que quiconque que le terme « salsa » recouvre des rythmes bien antérieurs à l’arrivée de ce nom qui n’apparaît que vers la fin des années 60 à New York. L’histoire de la salsa se confond en effet entièrement avec celle de l’exil de la communauté d’Amérique latine aux USA – et plus précisément à New York, la Mecque musicale de toutes les époques.
Hubert Laws In The Beginning, combinaison de jazz, gospel et musique classique
Quand Hubert Laws enregistre « In The Beginning » en 1974, il a déjà sorti plusieurs album sous son propre nom. Hubert Laws In The Beginning demeure l’un de ses enregistrements les plus populaires et les plus durables, combinant différents styles de jazz, de gospel et de musique classique.
High Contrast (Gabor Szabo), première incursion du guitariste en territoire jazz fusion
Etabli à Los Angeles, Gabor Szabo exerce ses activités à la télévision et fonde le Perfect Circle formation dont le répertoire va de là (pseudo) musique classique au jazz-rock. L’émergence du rock permet à Gabor Szabo d’expérimenter des formes de jazz plus accessibles. Durant les années 70, Gabor Szabo se produit régulièrement le long de la côte ouest, hypnotisant le public avec son style enchanteur et fascinant mêlant jazz, pop, musique gypsy et indienne.
Fun House (The Stooges), 36 minutes d’orgasme électrique #$& !!!
Deuxième album des Stooges, “Fun House” porte à son paroxysme le rock’n’roll des pionniers (Gene Vincent et Vince Taylor) tout en utilisant la technologie de l’époque (murs d’amplis, wah-wah), jetant une accolade au free-jazz et se fracassant dans la réalité d’une époque post-hippie que Iggy et ses Stooges, visionnaires, envisagent comme atroce, mais lubrique. En résumé, “Fun House” pourrait bien être tout ce que le rock’n’roll avait jamais promis, des costumes moirés d’Elvis à la montée des gangs de Detroit, 36 minutes d’orgasme électrique.
Standards (Keith Jarrett, Gary Peacock, Jack Dejohnette), trio d’une liberté insensée
1977 et la sortie chez ECM de l’album Tales Of Another de Gary Peacock est l’acte de naissance du trio Keith Jarrett/Gary Peacock/Jack Dejohnette.Le trio se « forme » six ans plus tard à l’initiative de Keith Jarrett, et jusqu’en 2015, il va s’appliquer à épuiser les potentialités apparemment illimitées de leur travail collectif, inventant une musique d’une liberté insensée et d’une exigence totale.
Time out (Dave Brubeck Quartet), l’obsession du temps et de la démesures
Time out, titre mythique du Dave Brubeck Quartet sorti en 1959, inaugurait une série de 5 albums au travers desquels, le compositeur Brubeck allait s’amuser avec le temps (Time), superposant des mesures à 5/4 et 3/4 par exemple, expérimentations sur le temps qui s’avéreront payantes car novatrices.
Bande originale de Saturday Night Fever (Bee Gees), disco quintessence
En 1975, les Bee Gees sont en passe de devenir des has-been. Dix ans après un départ fulgurant semé de balles comme I Started A Joke, Love Somebody ou Massachussets, le groupe a épuisé toutes ses cartouches dans un chef-d’œuvre méconnu (« Odessa ») pour se retrouver à la traîne des modes, entre soul délavée et pop essorée (« Trafalgar »). Seulement, les Australo-britanniques sont du genre persévérants.
Impulse records, « the new wave in jazz » pour devise !
L’histoire d’Impulse records est avant tout affaire de fortes personnalités. C’est Creed Taylor, l’ancien responsable de la direction artistique de Bethlehem Records qui, en octobre 1960, est parvenu à convaincre les responsables d’ABC-Paramount Records, de lancer une nouvelle collection de disques de jazz.
Bob Dylan Highway 61 revisited, surréaliste et débordant d’énergie blues brute
Il faut remonter à la première du Sacre du printemps de Stravinsky, qui avait provoqué une émeute en 1913 au Théâtre des Champs-Élysées, pour trouver le genre de controverse qui a explosé lorsque Bob Dylan a branché sa guitare le 25 juillet 1965 au Festival de Newport. Mais les huées des puristes de la folk devaient disparaître parmi les acclamations qui se sont élevées lorsque Dylan sorti Highway 61 revisited, un mois plus tard.
Them Changes (Buddy Miles), LP soul rock et chef d’œuvre du batteur
Cofondateur du Band of Gypsys avec Jimi Hendrix, Buddy Miles a largement contribué au mouvement rock psychédélique des 60’s et 70’s. Son style unique mêlant funk, soul, jazz et rock a servi d’inspiration et d’influence à ses contemporains et aux générations suivantes. En témoigne son troisième album solo Them Changes.
Bande originale de Taxi driver (Bernard Herrmann), dernière œuvre du maitre
Au début des années 1970, Herrmann est persuadé que sa carrière cinématographique est terminée, quand le succès de sa musique du film de Brian de Palma « Sisters » en 1973, redonne à son oeuvre un nouveau souffle. Les propositions de film affluent avec, entre autres, celle de Martin Scorsese pour Taxi Driver. C’est sur la base d’une admiration éperdue pour les partitions de Citizen Kane, Sueurs froides et Psychose, que Scorsese sollicite le légendaire Bernard Herrmann pour la musique Taxi Driver.
Betty Davis, explosive et torride diva funk
La quête de Betty Davis était celle d’un Funk-rock vindicatif et abrasif, empreint d’une fureur maîtrisée. Son comportement outrancier à connotation sexuelle sur scène, et des paroles parfois délurées et torrides lui attire les foudres d’une frange de la communauté noire. Elle lui reproche ouvertement de ne pas donner une bonne image des afro-américains. Une certaine image de l’Amérique puritaine. Qu’importe, Betty persiste et signe. Entre Funk lourd, Heavy-rock mid-tempo, souvent surchargé d’érotisme déviant, elle n’offre pas d’autre choix que la soumission.
Blonde On Blonde (Bob Dylan), le son sauvage du mercure
A l’automne 1965, Dylan, dont les disques se vendent alors comme des petits pains (au mois de mai, il a classé pas moins de trois albums – Bringing It all Back Home, The Freewheelin’ et The Times They Are A-Changin’ – dans le Top 10), se met à composer les premiers morceaux de ce qui plus tard constituera Blonde on Blonde.
Abraxas (Santana), un deuxième opus allégorique et charnel !
Encouragé par le promoteur local Bill Graham (patron du Fillmore, etc.), Santana se fait connaître localement dans un premier temps, avant d’être propulsé sur le devant de la scène du jour au lendemain, grâce à une prestation mémorable au festival de Woodstock et un premier album publié simultanément, contenant les classiques Evil Ways, Jingo et Soul Sacrifice. Un an plus tard, sous sa pochette peinte par Mati Klarwein (qui signe la même année celle de « Bitches Brew » de Miles Davis), « Abraxas » impose définitivement son stupéfiant mélange de rock, blues et salsa, ainsi que l’éblouissante virtuosité de son leader à la guitare.
Moondog, clochard céleste et Viking de la Sixième Avenue
Dans une vie, il y a trois expériences fondatrices: la première gorgée de bière, la première gorgée de chair et la première gorgée de Moondog. De Stravinsky à Stephan Eicher, de Benny Goodman à John Zom, de Charlie Parker à Frank Zappa, de Philip Glass à Elvis Costello, tous ceux qui ont goûté une fois à la musique de ce vagabond solitaire n’en sont pas sortis indemnes.
New danger (Mos def), anti-commercial, imprévisible, inclassable
Mos Def est l’un des rappeurs les plus doués de sa génération, et ce deuxième album en tous sens personnel embras(s)e aussi bien les clichés hip hop que les riffs hard rock façon Living Colour, le blues fébrile (Shuggie Otis en invité) et la soul music lézardée (Marvin Gaye samplé/déchiré). Cinq ans après cet élégant coup de force, Mos Def revient avec un second album, The New Danger, disque fleuve et ambitieux, qui tente de revisiter à lui seul trente ans de musique noire ? et même de musique tout court.
In a Silent Way (Miles Davis), tout droit vers le futur
Avec In a Silent Way, entouré par une pléiade de musiciens exceptionnels, Miles Davis intègre pour la première fois des éléments de rock et s’éloigne à jamais du jazz pur. Un ovni sidérant.
Bande originale de Vertigo (Bernard Herrmann), véritable osmose musicalo-scénaristique
En 1958, cela fait déjà plusieurs années que Bernard Herrmann travaille aux côtés d’Alfred Hitchcock et, s’il a déjà été amené à composer plusieurs bandes sonores pour le « maître du suspense », ce n’est qu’avec la bande originale de Vertigo (Sueurs froides) que les deux hommes vont atteindre une véritable osmose musicalo-scénaristique.
Head Hunters d’Herbie Hancock, hymnes jazz-funk par excellence
Après la magistrale trilogie de jazz électronique et expérimental (« mwandishi », « crossing » et « sextant »), Herbie Hancock, fort des écoutes prolongées des albums de Sly and The Family Stone, décide de changer d’orientation musicale. Moins expérimentale, plus funk, plus accessible.Entre-temps, Herbie Hancock s’est établit en Californie et s’est convertit au bouddhisme.
- 1
- 2
- 3
- …
- 5
- Page suivante »